Hace unos días, me comentó mi querido sobrino que tenía como examen final investigar sobre este artista, que si podía ayudarle ya que necesitaba llevar un gran trabajo pues era una parte importante para aprobar la materia de artes visuales. Y pues claro que con gusto le orienté para que pudiera hacer lo mejor posible la investigación, también con la valiosa ayuda de mi novio, los tres empezamos la búsqueda de información, pues el trabajo tenía que tener un contexto social e histórico, decir a la corriente que pertenece, incluir las características y temas del trabajo del artista y obviamente analizar sus obras, decir los materiales, su técnica y lo que buscaba el artista con ello. La portada del trabajo, (la cual no la incluyo porque lleva el nombre de mi sobrino así que mejor lo evitamos, por mera precaución). Y bueno, el correcto análisis e interpretación artística y re-interpretación, como mínimo 6 cuartillas, y obviamente en 1/8 de ilustración hacer una obra personal de las características y temas del artista. En lo personal, le expliqué un poco de como pintar con el pastel y que pudiera mancharse los dedos jaja. Así que nos dimos a la tarea de orientar, aprender y divertirnos junto a esta criaturita del señor jaja... Cuando emprendimos la búsqueda, nos llevamos la sorpresa que hay muy poca por decir nada de información en castellano sobre este gran artista, así que se me ocurrió, una vez entregado el examen y calificado, publicarla para la gente que esté interesada en Horace Pippin y no le entre mucho el inglés. Espero a alguien le sirva de ayuda y que si la maestra de mi sobrino ve esto, le diré que se le dedicó mucho esfuerzo y tiempo a este trabajo, pues aparte de que se investigó, pues intentamos que a mi sobrino le funcionara más el cerebro y pudiera esforzarse mucho más. Al final dejaré un vídeo que lleva una música muy acorde a sus obras. Espero les guste.
HORACE PIPPIN
Nació el 22 de Febrero del 1888, en Westchester, Pennsylvania, tan sólo 23 años después de la Guerra Civil y el fin de la esclavitud lo cual a la larga marcó su vida y su obra pues sus abuelos eran esclavos y sus padres eran trabajadores domésticos, en tiempos donde el conflicto racial seguía presente. Creció en Goshen (New York) y desde muy chico sintió afinidad con el arte de forma autodidacta, pues le gustaba dibujar e ilustraba sus palabras de ortografía en la escuela y con tan sólo diez años se presentó a un concurso de una empresa de suministro de arte y ganó su primer juego de lápices de colores y una caja de acuarelas. Asistió a escuelas marginales hasta que tenía catorce años, cuando dejó los estudios consiguió varios trabajos, en una granja, como portero en un hotel, como moldeador de hierro en una fábrica, en un depósito de carbón y como vendedor ambulante de ropa usada. Con el dinero que ganaba, le daba una parte a su madre, pues ella se encontraba enferma y lo que sobraba invertía en los materiales de dibujo que su familia no podía comprarle. Creció y se hizo miembro de la iglesia protestante St. John's African Union Methodist. En 1917 sirvió en el batallón 369ª de Infantería, en Francia, durante la primera guerra mundial (fue cuando combatieron a los nazis). Al grupo se le conocía como Harlem HellFighters y estaba formado sólo por afroamericanos, allí perdió el uso de su brazo derecho, tras ser disparado por un francotirador Alemán, todos esos hechos le marcaron la vida.
Volvió a su casa, se casó con Jennie Wade Ora Featherstone, a la cual retrató en 1936 con el sencillo nombre de “Portrait of My Wife” y se estableció en Pennsylvania, debido a su lesión nunca encontró un trabajo fijo y apenas se ganaba la vida. A principios de la década de 1920 retomó su afición por la pintura, para fortalecer su brazo dañado pero su actividad como pintor comenzó enserio en torno a 1930 cuando completó su primera pintura al óleo, bajo el título “El fin de la Guerra” a finales de esa misma década el crítico Christian Brinton, los artistas NC Wyeth y John McCoy y el coleccionista Albert C. Barnes, el distribuidor Robert Carlen y los curadores de arte Dorothy Miller y Holger Cahill, defendieron las pinturas con las que capturó sus recuerdos de la infancia y sus experiencias de guerra, escenas de la vida cotidiana, paisajes, retratos, temas bíblicos y acontecimientos históricos de América. Poco después se inscribió en clases de arte en la fundación Barnes durante el otoño de 1939 y la primavera de 1940.
Los retratos que plasmó en 1941 son una representación de Marian Anderson, una gran cantante contralto estadounidense que fue famosa en la lucha racial americana y obtuvo reconocimiento internacional, siendo halagada por el que está considerado como el mejor director de orquesta del siglo XX, Arturo Toscanini, opinaba sobre ella que “una voz así se oye una vez cada siglo”; siendo que en ese mismo año, dio a luz una de sus pinturas más conocidas, su autorretrato, donde se le ve sentado frente en un fondo azul, ante un caballete sosteniendo un pincel con la mano derecha.
Su pintura “John Brown, going to his hanging” realizada en 1942, está en la colección de la academia de Pennsylvania de Bellas Artes en Filadelfia. Basada en un suceso presenciado por la abuela de Horace, en ella se observa al hombre que da título a la obra que acabó recibiendo sentencia de muerte por haber iniciado un movimiento de liberación de los esclavos afroamericanos en Harpers Ferry, Virginia, en 1859, aunque la verdadera razón de su condena la provocó el conflicto de 1856, en Kansas, donde sus seguidores mataron a cinco partidarios de la esclavitud en Pottawatomie, siguiendo órdenes del propio Brown. Los historiadores coinciden en afirmar que la incursión de Harpers Ferry, intensificó las tensiones que un año más tarde llevaron a la secesión y la guerra civil americana.
En su obra hay muchas pinturas de género como “Domino players” 1943 que pertenece a la colección del poderoso Duncan Phillips, él se percató de la relevancia que poseían pintores folcloristas, para cimentar una nueva tradición artística local y plural, fijándose en el notable Horance Pippin.
Existen varias versiones de “Cabin in the cotton”, uno de sus primeros trabajos, el cual descubrieron en el mostrador de una tienda de reparación de calzado, en la ciudad natal de Pippin, el crítico de arte y curador antes mencionado Christian Brinton y el ilustrador NC Wyeth, y que después compraría el popular actor Charles Laughton en 1940. Gracias a esto, Horace Pippin empezó a convertirse en uno de los pintores más aclamados de la mitad del siglo XX.
Dentro de su diversa gama también destacó la temática religiosa y los paisajes, los estilos primitivos de los autores autodidactas americanos, estaban muy valorados en los años treinta y en esa década destacó “Cabin in the woods”, según el instituto de arte de Chicago, la estructura de la pintura se refiere a la apertura y el cierre de las escenas de una película protagonizada por Bette Davis, en 1932 y titulada de la misma forma. Ese mismo año tanto Cab Calloway y Bing Crosby publicaron una canción, con el mismo nombre. Un dato, que da la razón a los que afirmaban que Pippin tenía un gran talento para comercializar su trabajo.
En los 8 años transcurridos entre su debut nacional en el museo de arte moderno formando parte de la exposición itinerante “Maestros de la Pintura Popular“, en 1938, tuvo tres exposiciones individuales en las “Carlen Galleries” de Filadelfia (1940, 1941, 1943) y otras en el club de Arte de Chicago (1941) y en el museo de arte de San Francisco (1942), mientras colecciones privadas y museos como la fundación Barnes, el museo de arte de Filadelfia, y el museo Whitney de arte americano compraron sus obras. Sus pinturas se presentaron en las exposiciones nacionales realizadas en el instituto de arte de Chicago, en Carnegie Institute de Pittsburgh, la Corcoran Gallerie of art y la galería nacional de arte de Washington D. C., el instituto de arte de Dayton, el museo de Newark, la academia de Pennsylvania de Bellas Artes, y la Dare gallerie de Londres, traspasando las fronteras de su país de origen.
Aunque pintó cerca de 140 obras, en la actualidad las concentraciones de su obra se pueden encontrar además en la colección Phillips y Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington D.C., en el museo de arte y la academia de las bellas artes de Pennsylvania en Filadelfia, el museo BrandyWine River de Chadds Ford, municipio de Pennsylvania, el museo de arte de Baltimore y el museo de Arte de San Francisco. Con menos de diez años después de haber recibido el reconocimiento nacional, murió tristemente a los 58 años de edad el 6 de Julio, de un derrame cerebral. En ese año 1946 su reconocimiento aumentó de costa a costa, siendo así que ganó varios premios y una mención de honor.
A veces comparado con el pintor francés Henri Rousseau, fue considerado un genio con su propia visión del mundo por los principales artistas afroamericanos e historiadores del arte. Por su condición autodidacta y su refinado sentido contemporáneo de color y diseño, gente importante como el escritor y crítico de Neoyorquino Selden Rodman han señalado que el trabajo de Pippin representa la experiencia de las personas de color en América, pero sin un supuesto de inferioridad o actitudes de protesta o sátira, usados a modo de defensa sino simplemente transmitiendo lo que estaba dentro de su cabeza.
No fue un artista fácil de ubicar en un estilo concreto, pero se le asoció con el arte Naíf y el expresionismo, por el uso de los claroscuros y su ingenuidad en la temática más cotidiana de su obra y por la intensidad de la expresión, de los sentimientos y las sensaciones de sus pinturas más influyentes. De alguna forma ilustraba en su manera de afrontar sus ideas, la alianza de elementos estéticos y morales con dichos movimientos artísticos para resaltar el centro de sus preocupaciones, del alma humana, basándose en una estética concreta de deformación expresiva debido al estado emocional del artista. También en el arte contemporáneo encontramos color y experimentación de la imagen, y sin embargo, no hay lugar en ellos para la fe, los últimos ingenuos serán los primeros en reír o dibujar una sonrisa al que mire.
¿Qué nos ofrecen los artistas catalogados ingenuos que no podamos hallar en el resto? Y abierta la pregunta podemos afirmar que Pippin aporta una sensibilidad más profunda, trabajaba con óleo sobre lienzo y tela, sobre lienzo adherido a cartón, tablero de lona, panel de madera quemada, pasteles de aceite, plasmaba sus memorias en un cuaderno con sus bosquejos hechos a lápiz, y en cada una de sus obras forjaba su esencia, tenía dominio de la perspectiva, la figura humana, las emociones, la fe, la familia, así como paisajes y animales; era muy maduro artísticamente, fue una especie de respuesta a los movimientos europeos del impresionismo y expresionismo, un poco folk y a la vez cosmopolita sus pinturas, podría parecer que Barack Obama tiene un poco de la tesitura de este pintor.
'Sunday Morning Breakfast', es uno de sus óleos sobre tela más famosos y quizá el más representativo. Podemos observar una cierta crítica social, pero a su vez nostalgia, una representación de la vida de las familias afroamericanas en la rutina del interior de sus casas, que bien podría ser autobiográfica. Se percibe en cada pincelada el afecto por la unidad familiar y se aprecian infinidad de detalles cálidos con un refinado gusto a la hora de resaltar los detalles visuales menos relevantes pero agradables como dar a notar los manteles y la ropa hecha a mano o las alfombras tradicionales de la época, así como detalles que activan otros sentidos, ya sea dado por ver una tetera que parece silbar en ebullición con el vapor saliendo por su pico, el color naranja permanente de la estufa haciendo ver que se está en un ambiente tierno, el humo de la comida caliente ante la atenta mirada de los niños ansiosos por llenar el estómago, que nos estimula el olfato haciéndonos pensar que estamos disfrutando su aroma, el reloj de pared que marca las horas como si el tiempo no se hubiera detenido en el lienzo y muchos otros objetos que sugieren historias, como la cortina rasgada, el yeso caído o la herradura de la buena suerte con los que se puede interpretar el carácter humilde de los residentes de ese hogar. La técnica empleada sobre oleo para la ocasión, se basó en la rica paleta de colores sobrios y el uso de formas estilizadas, las cuales fueron señas de identidad propias de Pippin. Quizá este artista no será recordado por lo explícito de su protesta, puesto que su obra se limitaba a expresar de una forma natural, sin tomar partido, en una reivindicación descubierta, pero era el claro ejemplo de que una imagen vale más que mil palabras.
BIBLIOGRAFÍA
Aldredge, M. (31 de Enero de 2013). Gwarlingo. Obtenido de http://www.gwarlingo.com/2013/horace-pippin/
Art, N. G. (s.f.). National Gallery of Art. Obtenido de http://www.nga.gov/content/ngaweb/education/teachers/lessons-activities/counting-art/pippin.html
Brodskaia, N. (s.f.). Docplayer. Obtenido de http://docplayer.es/16141574-Arte-naif-nathalia-brodskaia.html
Encyclopedia. (s.f.). Obtenido de http://www.encyclopedia.com/topic/Horace_Pippin.aspx
Journal, T. N. (s.f.). Delawareonline. Obtenido de http://www.delawareonline.com/story/life/2015/04/29/horace-pippin-gets-due-brandywine-river-museum/26616459/
Suffering and Sunset: World War I in the Art and Life of Horace Pippin by Celeste-Marie Bernier, 2. T. (s.f.). Wikipedia. Obtenido de https://en.wikipedia.org/wiki/Horace_Pippin
Wikiart. (s.f.). Obtenido de http://www.wikiart.org/es/horace-pippin
